Gli ultimi due film visti nel 2008

Il papà di Giovanna

Pupi Avati

Italia, 2008

Ambientazione usuale per Avati è anche in questo film quella dell’Italia degli anni ’30-’40, protagonista piccola gente alle prese con la quotidianità e le insoddisfazioni della vita.

Giovanna ha diciassette anni e incapace di crescere e prendersi le sue responsabilità, è costantemente protetta da suo padre Michele che insegna nello stesso liceo che lei frequenta.

Tra padre e figlia c’è chiaramente un rapporto morboso e quando la giovane si accorge di non essere la prima nelle attenzioni di un compagno di scuola di cui è innamorata, scatta la tragedia.

Lei, sempre assecondata e difesa dal padre, finirà per manifestare chiaramente il suo squilibrio mentale e Michele sempre succube di una relazione d’affetto insana finirà per sacrificare la sua vita e la carriera per seguire una figlia che ha bisogno di cure.

Ma dalla metà del film in poi quello che viene anche sacrificato è proprio il rapporto tra genitore e figlia, a (s)favore di una maggiore focalizzazione sugli avvenimenti politici e sociali dell’Italia della fine degli anni ’30: lo scoppio della guerra, le avanzate delle truppe, la Repubblica di Salò, la liberazione e via via fino agli anni ’50.

Si perde di vista l’argomento principale e si seguono diverse storie parallele a quella di Giovanna e Michele. Il perché non l’ho capito. E’ certo comunque che saltando di palo in frasca l’interesse per il film mi si è andato affievolendo durante la visione; ho notato però con sorpresa l’interpretazione trattenuta e sobria di Ezio Greggio. Perché a lui niente riconoscimenti?

6½/10

Across the universe (Across the universe)

Julie Taymor

Usa, 2007

Arrivato con un po’ di ritardo anche in Italia, “Across the universe” è un film costruito seguendo 33 tra i brani più famosi dei Beatles dai quali poi prende forma la storia d’amore tra Jude e Lucy - lui proletario inglese in cerca del padre in America, lei studentessa dell’upper class americana - che si piega quindi ai testi preesistenti del quartetto di Liverpool.

Allo stesso momento però le canzoni prendono anche sfumature diverse dall’intento originale dei Beatles in base al contesto in cui vengono reinterpretate dai vari personaggi del film. Per fare un esempio concreto: il brano “I want you” prende un significato politico e militaristico quando associato alla partenza per il Vietnam del fratello di Lucy (siamo infatti nel 1964), ma lo stesso è collegato all’amore non corrisposto di un’amica di Jude nei confronti di una giovane cantante (che poi sarebbe l’impersonificazione di Janis Joplin).

Oltre al tormentato amore tra Jude e Lucy si seguono anche diversi momenti cruciali della storia dell’America degli anni ‘60: la già citata guerra del Vietnam, i movimenti pacifisti e le comunità hippy, la rivoluzione sessuale, le contestazioni e le lotte di classe.

E’ un film vicinissimo al genere musical, romantico, commovente e non manca ovviamente di essere visionario e psichedelico con notevoli esperimenti visivi data anche l’epoca in cui è ambientato. Non evita inoltre di mettere in evidenza i lati più negativi del patriottismo americano, diverse sono le sequenze incentrate sul reclutamento di giovani da spedire in Vietnam e sulle conseguenze che queste azioni potevano avere sulla psiche di ragazzi tornati a casa stremati da un’esperienza troppo pesante da superare.

Ci sono alcuni camei di musicisti famosi che si potevano però evitare, tra cui quello di Bono che sinceramente c’ha rotto il cazzo........

Infine parlare delle bellissime canzoni dei Beatles è scontato, però devo dire che la Taymor ha fatto un lavoro veramente ottimo inserendole nel film usando un metodo non facilissimo.

E dopo il buco nell’acqua di “Frida” (film ridicolo e dozzinale), la regista ha fatto un bel passo avanti con una sceneggiatura in cui chiunque riesce identificarsi: la storia dolcissima di due ragazzi che si amano e che insieme ai loro amici affrontano i problemi della vita e si confrontano con avvenimenti di grande importanza.

9/10

Garage Olimpo | Lussuria, seduzione e tradimento

Garage Olimpo (Garage Olimpo)

Marco Bechis

Argentina, 1999

Poco dopo capodanno 2008, in un’ora tardissima e da catalessi, mentre su Rai Uno Antonella Clerici concludeva “Il treno dei desideri” andando fuori scena su di una slitta trascinata da due poveri cristi travestiti da renne (!!), su Rai Tre andava in onda “Un giorno in pretura” programma che trasmette registrazioni di udienze processuali dei più svariati tipi ma sempre d’attualità. In quella puntata, che faceva parte di un ciclo, venivano riprese le deposizioni di testimoni diretti o indiretti dei lunghi anni di repressione politica avvenuti in Argentina tra il 1976 e il 1983.

Tra le varie persone interrogate c’era anche Marco Bechis, il cui film “Garage Olimpo” si basa anche sulla sua esperienza diretta come prigioniero di centri clandestini in cui veniva rinchiuso chi era anche solo sospettato di essere un attivista politico antidittatura.

Maria, la protagonista del film, verrà arrestata e portata proprio in uno di questi campi di concentramento (dove lei si troverà sarà quello chiamato Garage Olimpo). Da quel momento il film si concentra sulla descrizione degli atti e abusi commessi dai militari sui prigionieri e sulle procedure di insabbiamento delle prove che costringevano i famigliari degli arrestati a compromessi assurdi per sapere dove i loro figli, fratelli, mariti, mogli, fidanzate fossero stati portati e fatti sparire, ottenendo quasi sempre scarsissime informazioni.

Non manca però di mostrare anche come in alcuni casi tra detenuto e guardia carceraria potesse instaurarsi un rapporto d’affetto e dipendenza. Maria si affeziona a Felix e così lui nei confronti della ragazza, il loro rapporto però si concluderà in tragedia...

E’ un film durissimo e angosciante, che serve indubbiamente per capire cosa l’uomo potrebbe arrivare a fare servendosi di abuso di potere (perché non ci sono stati solo i lager nazisti) e per ricordare i 30.000 desaparecidos le cui famiglie stanno ancora cercando di capire cosa sia accaduto loro.

9/10

Lussuria, seduzione e tradimento (Se, jie)

Ang Lee

Cina, 2007

Si parla anche qui di resistenza politica, ma questa volta nella Cina della fine degli anni ’30-inizio ’40 sotto la dittatura giapponese.

La giovane studentessa Wong Chia Chi viene convinta da alcuni suoi compagni di università a partecipare ad un’azione clandestina: infiltrarsi nella cerchia di conoscenze di un potente politico per arrivare a lui e ucciderlo.

Ogni componente della comitiva rivoluzionaria ha un suo specifico ruolo, quello dell’ingenua e timida Wong Chia Chi è di sedurre l’uomo e diventarne l’amante.

Il piano messo in atto dai ragazzi è molto complesso e nella prima parte del film, un po’ caotica, viene fatto un quadro generale della situazione per poi, con una serie di flash back, spiegare l’antefatto e le origini della combutta.

Ma la parte più bella del film è quella incentrata sul rapporto tra vittima e carnefice: Wong Chia Chi e Mr Yee a lungo andare finiranno per scambiarsi i ruoli e diventare così lei totalmente succube dell’uomo con inevitabili funeste conseguenze.

Mentre gli amici della giovane si identificano sempre più con entusiasmo negli ideali patriottici che li hanno portati al sanguinario progetto, Wong Chia Chi si lascia trascinare in una torbida relazione sessuale che minerà anche la sua psiche.

Tirando le somme, la sceneggiatura è ben fatta, le musiche e la ricostruzione storica idem, però l’ultima mezz’ora di film porta a un colpo di scena finale telefonatissimo. Perché, insomma, va bene che lui ama (?) lei ma che la storia non potesse finire coi fiori d’arancio era già praticamente impensabile: lui è uno dei capi della dittatura e lei una dissidente, e siccome 2+2 non fa 5...

7½/10

Due strazianti film d’ammmmore

Candy (in italiano lo trovate come “Paradiso + inferno”)

Neil Armfield

Australia, 2006

La tragica storia di due ragazzi finiti nelle bassezze della tossicodipendenza. Quando cercheranno di smettere sarà troppo tardi.

Sembrerebbe un classico del genere, infatti la storia di Candy e Dan non si discosta per nulla dalla cronaca deprimente e pesante di quello che un drogato deve fare per sopravvivere alla dipendenza provocata dalle sostanze stupefacenti, ma in questo film quello che mi ha colpito è come viene sempre messo in primo piano il rapporto d’amore tra i due.

Anche se Candy è costretta a prostituirsi, a vendere le sue cose, a seguire lui in truffe e ruberie, quello che prevarica è sempre il volersi bene, il bisogno che hanno entrambi dell’altro, lo stare vicini. Un’altra dipendenza quindi, però di tipo psicologico.

Ma l’amarsi sinceramente non basta a questa coppia per sopravvivere nella decadenza. Un’escalation di tragedie porterà la storia a una svolta ancora più dura e nemmeno tutto l’impegno di entrambi servirà a far terminare il film con un lieto fine...

Consiglio di vedere il film in lingua originale, non solo perché il doppiaggio italiano è scarso ma anche perché potrete apprezzare di più l’interpretazione del compianto Heath Ledger. Sempre un grande.

7½/10

Come eravamo (The way we were)

Sydney Pollack

Usa, 1973

L’ho visto questa estate per caso in tv, mentre boccheggiavo sul divano assalita da zanzare e afa notturna.

Non pensavo un film di più di 35 anni fa potesse essere ancora così attuale, non conoscevo la storia quindi perdonatemi...

Seguiamo Katie e Hubbell dalla metà degli anni ’30 fino agli anni ‘50 mentre i grandi avvenimenti della Storia si succedono influenzando anche la loro relazione d’amore.

Dal Secondo Conflitto Mondiale, alla guerra in Spagna fino al Maccartismo, questi sono tra gli episodi che portano la coppia a disgregarsi, tanto che da subito il loro rapporto è palesemente mostrato come un continuo discutere e confrontarsi sui grandi temi del mondo, le questioni politiche e sociali.

Entrambi hanno radici diversissime - lei ebrea comunista, lui giovane dell’upper class americana con aspirazioni da scrittore arruolatosi nella marina militare - e questo, insieme a ideali e caratteri opposti (lei troppo ostinata sulle sue posizioni, lui anche fin troppo cedevole ai compromessi), porterà inevitabilmente la coppia a dividersi nonostante si amino tantissimo e a un certo punto decidano anche di sposarsi.

Katie e Hubbell alla fine non si lasciano perché non si amano più, ma perché non riescono ad accettare che abbiano credi politici, di lavoro, di vita insomma, in antitesi.

Una storia bellissima, molto commovente nel finale che vede i due dopo tanti anni rivedersi per caso a New York. Ma anche se i due si abbracciano forte e fanno capire di amarsi ancora, per loro non ci sarà mai la possibilità di una vita serena insieme.

9/10

Beatrix Potter e Odette Toulemonde

Lezioni di felicità (Odette Toulemonde)

Eric-Emmanuel Schmitt

Francia, 2006

Tratto da una serie di racconti scritti durante la lavorazione del film dallo stesso regista (che non c’ho voglia di leggere) “Lezioni di felicità” è un film ironico, delicato fatto apposta per essere visto quando ci si sente addosso un po’ di malinconia.

L’ordinaria vita della sognatrice Odette, quarantenne vedova con due figli un po’ sopra le righe, è movimentata solamente dai libri scritti dal suo autore preferito.

Una serie di coincidenze farà si che Odette coroni il suo sogno: conoscere di persona lo scrittore...

Da quel momento – e siamo solo a una quindicina di minuti dall’inizio del film – verrete trasportati nel mondo quasi irreale di Odette, fatto di voli ad occhi aperti, balletti, colori caldi e le canzoni di Joséphine Baker.

Odette vi contagerà sicuramente, soprattutto se avete già apprezzato il suo predecessore (in fatto di stile e genere) “Il favoloso mondo di Amélie”, con la differenza che qui oltre a una storia d’amore quello che viene esaltato è il superamento delle apparenze: anche da una vita semplice come quella di Odette, donna con poca cultura e priva di vanità, si possono avere insegnamenti molto forti che non necessariamente una persona ritenuta colta e intelligentissima sa notare pienamente e apprezzare.

8½/10

Miss Potter

Chris Noonan

Gran Bretagna, 2006

Le storie di Beatrix Potter sono le prime che mi hanno avvicinata al mondo della lettura, le leggevano a me e a mia sorella i nostri genitori quando ancora non sapevamo leggere.

Quelle che ci facevamo ripetere fino all’esaurimento erano quelle con protagonisti i topini (sì, stranamente non gatti...), una vera ossessione!

Al cinema mi sono persa questo film incentrato sulla vita dell’autrice, ho rimediato guardandomi il dvd in lingua originale.

Forse sono di parte se dico che è davvero un film poetico e commovente; a me è piaciuto moltissimo e non credo che le mossette superficiali e vezzose della Zellweger rendano il personaggio un po’ stupido. Anzi, in un contesto in cui fanno le loro apparizioni animate anche i personaggi pelosi creati da Beatrix, un contegno troppo austero avrebbe sì reso ridicole proprio quelle sequenze contaminate dalle buffe e bellissime illustrazioni originali.

Non mancano momenti ironici e alla fine quello che risalta in tutto il film è la figura di una donna anticonvenzionale che ha sempre voluto discostarsi da una società e da dei canoni ormai troppo obsoleti – nel film descritti molto bene - in quel periodo a cavallo dei due secoli in cui lei è cresciuta e ha cominciato a fare (molto tardi per la sua età) i primi passi nel mondo dell’editoria.

Non credo che la storia privata di Beatrix Potter sia conosciutissima, questo film dà almeno un quadro generale della sua personalità al di là dei suoi racconti per bambini.

8½/10

P.s.: non molte settimane fa i miei zii mi hanno regalato questo libro:

Le recensioni lette lo descrivono come un buon libro, ben documentato. Io non vedo l’ora di leggerlo, ma sono ancora a metà di “New moon” della Meyer in lingua originale e se iniziassi anche questo ci metterei il doppio per finirli entrambi...!

Ciak 2 – fuffe e mezze fuffe

Siccome il 2009 è già bello che iniziato e io sono SEMPRE indietro con le recenZioni del 2008, per i film solo un po’ passabili o brutti mi limiterò a commenti ultraveloci.

Colpo d’occhio

Sergio Rubini

Italia, 2008

Il solito triangolo lui-lei-l’altro inserito questa volta nell’ambiente dell’arte dove alla fine più che una storia d’amore diventa una descrizione di quello che può succedere tra critici perfidi e artisti ingenui macchiandosi di thriller.

Sceneggiatura scarsa che salta troppo da una situazione all’altra, musica pomposa, alla fine a me questo film è sembrato piuttosto mediocre.

5/10

Babel

Alejandro Gonzalez Inarritu

Usa, 2006

Quattro paesi diversi e una manciata di personaggi saranno destinati (aridaje col destino...) a incrociarsi per una sequela di sfighe abominevoli: marito e moglie in viaggio di piacere in Marocco finiscono per vedere la morte in arrivo quando lei viene colpita per caso da un proiettile vagante; i figli, intanto, con la tata vanno a un matrimonio in Messico e dato che la signora ha un nipote coglione si vedono tutti incriminati per tratta di minori (che sarebbero i bambini dei due che stanno in Marocco); nel frattempo l’ex-proprietario del fucile che ha sparato si trova a casa sua in Giappone alle prese con una figlia depressa e per di più sordomuta.

E via di questo passo.

E’ sicuramente un film ben fatto, purtroppo Inarritu ci aveva già rallegrato con quel divertentissssssimo film che era “21 grammi” e se dopo tre anni uno sta lì ancora a deprimersi con sceneggiature cupissime... allora direi che è proprio fissato.

7/10

The king

James Marsh

Usa, 2005

Un altro film angosciante con sempre tra i protagonisti Gael García Bernal - il nipote pirla di Babel – sarà che i claustrofobici cunicoli delle navi militari mi mettono sempre addosso sensazioni non serene, ma già dalla prima sequenza del film in cui vediamo Gael proprio in uno di quei dedali sottomarini, in procinto di congedarsi dall’esercito, già non ero molto appassionata alla storia; da quel momento la psicologia ambigua del personaggio è andata a incentivare negativamente una storia ambientata all’interno di una famiglia bigotta con un padre pastore che va a fare i suoi sermoni in una di quelle chiese americane dove tutti saltano in piedi e gridano “Pray for the Lord!”.

Agghiacciante.

Per farla breve, la tragedia è dietro l’angolo quando l’ex marine ha la certezza che quel degno emissario di dio è il padre che non ha mai conosciuto.

E’ una storia che mi ha lasciata alquanto perplessa e non ne ho capito il senso. Forse è una storia e basta, come un fatto di cronaca di tutti i giorni.

6½/10

Un giorno perfetto

Ferzan Ozpetek

Italia, 2008

Un’altra tragedia annunciata. [Ma che film ho visto nel 2008???]

A me i film di Ozpetek non colpiscono più di tanto ma sono ormai diventati un punto fisso quando escono al cinema – a pari merito con quelli di Woody Allen, ma il secondo è tutto un altro discorso – anche se la sceneggiatura non è originale, perché tratta da un libro di Melania Mazzucco, e quindi al centro non ci sono i soliti benestanti che piangono alla Ozpetek questa storia è tipica del regista turco: qualcuno muore, qualcun altro si dispera, qualcun altro ancora cerca il senso della vita...

Dire che è banale non è la parola giusta, ma anche se la storia è avvincente il modo in cui è narrata e diretta è da sceneggiato tv. Un po’ sempliciotto.

Anche se la scena del tentato stupro mi ha spiazzata per come sia ben riuscita: ha un impatto emozionale e visivo molto forte ed è l’unica cosa che ricordi con “piacere” del film [nel senso che è l’unica cosa buona del film non che mi sia divertita a vedere una donna che viene stuprata, sia chiaro!].

6½/10

Come tu mi vuoi

Volfango De Biasi

Italia, 2007

E’ dal 1900 che noi donne rompiamo le palle per l’emancipazione femminile, questo film invece è tra le opere che abbattono come un colpo di bazooka quegli sforzi fatti finora.

Contenuto del film: lei diventa da bruttina coi baffetti a strafiga bomba del sesso per essere considerata diversamente dal fidanzato che altrimenti la cercherebbe solo per scopare, come aveva fatto fino al momento della trasformazione. E ci riesce: infatti lui poi la va a cercare solo per scopare. Esattamente come prima.

n. c.

Cardiofitness

Fabio Tagliavia

Italia, 2006

Questo film è stato una sorpresa: mi ero aspetta una scemata adolescenziale, nonostante la presenza di un’attrice che ha passato i 20 anni da un po’, e invece è stato un piacevole diversivo per una serata domenicale.

E’ tratto da un romanzo di Alessandra Montrucchio (a me sconosciuta) ed è la cronaca di un amore sbocciato in palestra tra una ventisettenne e un quindicenne condizionato (l’amore, non lui) dagli amici che ruotano attorno alla coppia, prime su tutti le amiche di lei che, impazzite per la bislacca situazione amorosa dell’amica, vogliono sempre dire la loro su quello che lei dovrebbe fare.

Strizza un po’ l’occhio alla cerchia di film nati dopo Amélie Poulain però è divertente, leggero ed ironico.

L’unica cosa che mi preoccupa è che ci sono effettivamente delle ragazze di oggi che a 27 anni, mature e indipendenti, riescono a trovare qualcosa in comune solo con i ragazzini in età puberale. Ed è penosissimo...

6½/10

Vicky Cristina Barcelona

Woody Allen

Usa, 2008

Vi starete chiedendo come mai l’ultimo film di Allen è capitato tra le mezze fuffe del 2008 e non tra i migliori.

Beh, effettivamente questo ultimo prodotto lo metterei alla pari con “Sogni e delitti” visto all’inizio del 2008, e a parte la bella fotografia, i colori saturi e quattro attori bravi (Penelope Cruz, Scarlett Johansson, Patricia Clarkson e un Javier Bardem assolutamente da sbaaaaavo) la sceneggiatura è una commediola comune dove si infiltra un tentato omicidio e un piccante rapporto lesbico di cui non si vede niente e che è tutto sulla parola.

Per il resto all’arrivo dei titoli di coda ho fatto spallucce e me ne sono tornata a casa.

6½/10

La zona

Rodrigo Plà

Spagna, Messico, 2007

Nel paradiso terrestre che è il complesso residenziale “La zona” posto al centro di Città del Messico e delimitato da muri in cemento e filo spinato, vive beatamente un gruppo di messicani benestanti circondato dalla perfezione di aiuole ben rasate, villette in stile “Desperate Housewives”, mastodontici campi da golf e scuole prestigiose per i figli adolescenti.

La tranquillità e l’atmosfera idilliaca verranno però cancellate dall’intrusione di un gruppetto di ragazzi che vive di espedienti e che abita al di là del muro.

Quando la felice comunità scoprirà di avere degli “estranei” all’interno del quartiere la situazione si ribalterà senza un lieto fine: compariranno inaspettate pistole da sotto ai letti e il panico dilagherà tra tutti i cittadini.

E a quel punto ci si renderà conto che l’omertà, la corruzione e l’egoismo sono sempre stati presenti anche in quel piccolo Eden.

Rieccoci con le paranoie post 11 settembre.

6/10

Come dio comanda - libro/film

Come dio comanda

Niccolò Ammaniti

Scrittori italiani e stranieri, Mondadori, 19 € [me l'hanno prestato]

Come dio comanda

Gabriele Salvatores

Italia, 2008

Il fine settimana appena trascorso l’ho passato ingobbita a leggere-leggere-leggere l’ultimo libro di Ammaniti perché lunedì sera dovevo andare al cinema a vederne il film. E nonostante mi sia fatta venire la gobba e gli occhi strabici ero arrivata a ieri pomeriggio con ancora sul groppone 50 pagine da finire, però ce l’ho fatta.

Dato che il film non differisce molto dall’idea originale di Ammaniti procederei a farne un discorso generale.

Protagonisti sono Rino Zena e suo figlio tredicenne Cristiano, una famiglia tutta al maschile che senza la presenza di una donna a bilanciare i due componenti principali si è vista propendere per una vita fatta di dissolutezza e pochi ideali positivi: Rino, alcolizzato e disoccupato cronico, ha cresciuto da solo suo figlio, la moglie scappata chissà dove, e l’unico insegnamento che ha saputo dargli è stato quello di essere violento e tirare fuori i coglioni ché altrimenti gli altri ti schiacciano.

Ma Cristiano mal si presta alle idee aggressive del padre e, contrapposta alla visione che Rino ha della vita e a come la conduce in pratica – scazzottate, sesso con chi capita, sbornie e scatti d’ira –, il ragazzino cerca di sopravvivere solo e senza amici in una quotidianità fatta di scuola e giri a vuoto in squallidi centri commerciali, con il persistente terrore di essere diviso dal padre e spedito in qualche centro per ragazzi disagiati.

L’unica cosa positiva che infatti Rino ha sempre dimostrato per il figlio è l’amore viscerale che prova per lui, il bisogno più fisico che mentale di saperlo vicino considerandolo una propria appendice; e lo stesso fa Cristiano nei suoi confronti nonostante entrambi stiano sempre lì a recriminarsi l’uno contro l’altro in un continuo rapporto d’amore/odio.

Fanno da contorno alla triste e violenta vicenda di Cristiano e Rino tanti personaggi più o meno miseri quanto loro che nel libro e nel film vengono però trattati in due modi diversi: se Ammaniti dà risalto anche alle storie di contorno ampliando così le sfaccettature di uno stesso mondo, nel film diversi personaggi vengono cancellati per dare più spazio alla sola storia secondaria di Quattro Formaggi, uno degli amici di Rino.

Ma non è un difetto, perché così facendo Salvatores è riuscito comunque a mostrare e raccontare le stesso cose del libro, tagliando e accorciando ma inserendo nel personaggio di Quattro Formaggi e negli altri rimasti un po’ tutto quello che per forza di cose è stato eliminato.

Ero molto curiosa di vedere come Salvatores avrebbe interpretato i numerosi cambi di punti di vista del libro: nel racconto ogni episodio è visto alternativamente con gli occhi di tutti i personaggi che in quel determinato brano appaiono, provocando così a volte un po’ d’ironia nel vedere come ognuno può interpretare diversamente la stessa cosa; Salvatores toglie da subito quel po’ di umorismo e punta tutto sulla colonna sonora che si comporta come diretta espressione delle azioni e dei pensieri dei personaggi, modulandosi soprattutto in base alla rabbia e alle emozioni forti che essi provano, in quanto nel film come nel romanzo non c’è MAI felicità o serenità. E’ in tutto e per tutto una storia di violenza, e la colonna sonora così malinconica e prepotente è davvero la massima espressione di tutti i pensieri e le analisi che Ammaniti dà ai suoi personaggi nella carta e sottolinea, come le parole nel libro, quanto ognuno di loro sia allo stesso tempo buono e cattivo, la duplicità delle loro vite, di come nessuno sia definitivamente innocente e nemmeno totalmente malvagio.

Per me non ci sono mancanze né difetti nell’interpretazione che Salvatores ha dato del libro, quello che mi ero immaginata leggendo è stato ampiamente riprodotto sullo schermo, merito anche di un gruppo di attori bravissimi tra i quali mi ha molto impressionato Elio Germano (Quattro Formaggi) alle prese con un ruolo certo non facile.

L’unica cosa che ho notato con un po’ di disappunto è che Ammaniti pur avendo costruito una storia bellissima e ad averla raccontata in maniera scorrevole e realistica, non si è ancora comunque distaccato dai soliti temi che ha affrontato finora nei suoi libri: quelli cioè di una provincia desolata, di bambini alle prese con eventi troppo grandi per loro, di un agognato riscatto da una vita incolore. E come sempre in un certo senso vira ancora sul lieto fine dato che in questa storia dio decide comunque di mandare un po’ di calma nelle vite disgraziate di Rino e Cristiano.

In sostanza sia il libro che il film sono state delle belle esperienze, il film soprattutto per quanto riguarda l’impatto visivo ed emozionale con la bellissima colonna sonora composta dai Mokadelic [qui potete sentirne alcuni brani], e poi c’era Filippo Timi (Rino).

FILIPPO TIMIIIIIIIIIIIIII...

8/10 a entrambi

Ciak 1

In ritardo siderale arrivano le recensioni dei film visti dalla scorsa primavera.

Ai confini del paradiso (Yasmin kiyisinda)

Fatih Akin

Germania, 2007

Avevo già apprezzato Fatih Akin nel 2005 quando vidi “La sposa turca” al cineforum, quell’anno fu lui il film più bello, e quando la scorsa primavera è stato proposto in cartellone il nuovo film del regista non ho avuto dubbi sull’andarlo a vedere.

Ancora una volta protagonisti sono i turchi di nuova generazione nati, o cresciuti poi, in Germania a metà strada tra la cultura europea e quella tradizionale del loro paese d’origine.

Se ne “La sposa turca” si denunciavano le usanze turche ormai troppo obsolete in fatto di matrimonio e inesistente emancipazione femminile, in questo film invece trova posto quella parte di società turca composta dai giovani dalle idee antigovernative bollati immancabilmente di terrorismo, e la storia di una ragazza così accusata si intreccia a diverse altre in un dedalo di casualità forse a volte un po’ forzate che portano i vari protagonisti a spostarsi alternativamente tra la Germania e la Turchia in cerca di libertà, di sé stessi o di una nuova vita.

Diviso in tre parti il film non annoia soprattutto per le astruse sinapsi da scoprire pian piano tra le varie vicende; inoltre il rapporto tra Turchia e Germania non è il solo argomento trattato: si parla anche di amore, di omosessualità e del vincolo tra genitori e figli.

Bellissima sceneggiatura ma io continuo a preferire “La sposa turca”, una storia d’amore in cui tutti i sentimenti sono portati all’eccesso e dove anche un semplice bacio ti può dare l’impressione di un pugno nello stomaco.

7½/10

Signorinaeffe

Wilma Labate

Italia, 2007

Protagonista indiscussa di tutto il film è la Fiat a cui fa da sfondo la breve e centrifugata (nel senso che è una roba velocissima di una botta e via) relazione tra l’operaio Sergio e l’impiegata Emma nel lontano 1980.

O forse è il contrario? ed è la Fiat a fare da sfondo un po’ impegnato ai due protagonisti per via del riferimento alle lotte sindacali del 1980? Boh. Vabeh.

Per tutto il film c’è di base il detto che “il mondo è piccolo” e che alla Fiat, almeno all’epoca, valeva la regola del “pacco famiglia”: una volta assunto il capofamiglia, va da sé che TUTTA la progenie di quel nucleo famigliare avrebbe lavorato prima o poi in Fiat. E’ il caso di Emma e di tanti personaggi che appaiono nel film.

Per quanto riguarda il primo proverbio invece sembra che in Piemonte nel 1980 esistesse solo la Fiat e che Torino fosse un buco di provincia di appena 200 abitanti: lì si conosco tutti, tutti lavorano in Fiat, ed è così che Emma e Sergio si rivedono per caso dopo essersi incrociati nello stabilimento.

Ragionandoci su però il tutto sarebbe plausibile se letto in chiave di alienamento, vita breve e senza troppe distrazioni: tutti gli operai finiscono per condurre una vita casa-lavoro ed è normale che ci si incontri anche al di fuori della fabbrica negli spazi ristretti di svago. Può essere che sia così ma vorrei sentire le vostre opinioni in merito qualora aveste visto il film.

Comunque, Sergio ed Emma sono i protagonisti del film e la loro brevissima storia d’amore inizia e finisce nell’arco di 35 giorni: quelli che servirono in effetti ai sindacati per trovare un accordo con i dirigenti della Fiat che decisero per un riordino aziendale.

Per spiegare meglio cosa stava succedendo in quel periodo vengono in aiuto anche filmati originali che si intercalano alle vicende dei due, ma quello che non ho capito è se la regista ha voluto fare un documentario sulle agitazioni in Fiat o un film d’amore su due che tanto non si potranno amare perché fanno parte di due ceti sociali diversi – lei già proiettata verso un roseo futuro da laureata, lui che resterà invece in eterno in catena di montaggio pur avendo velleità da sindacalista-megafono – nel dubbio sul vero significato di questo film la certezza che rimane è che Filippo Timi (Sergio) è un figo della madonna e che ogni volta che parlava con quella voce roca lì, io svenivo sulle poltroncine del cinema.

6½/10

Un bacio romantico (My blueberry nights)

Wong Kar Wai

Francia, 2007

Lei (la cantante Norah Jones) viene mollata dal fidanzato e comincia a rompere le palle al gestore di una tavola calda (un improbabile Jude Law) con le sofferenze della sua anima. Poi decide di partire e di cercare sé stessa (un classico...) sulle strade d’America, quindi fa le valigie e inizia un peregrinare continuo mentre il barman la cerca e riceve da lei solo cartoline senza il mittente.

Lento, con dialoghi minimalisti, con inquadrature fastidiosissime tutte a mezzo busto o in primo piano, con personaggi da periferia malfamata – lo psicopatico alcolista, la donna sola, la giocatrice d’azzardo – con una colonna sonora quasi inesistente se non fosse per il bel brano di Cat Power “The greatest” con quell’aria moscia da piano bar ma che va bene lo stesso, in definitiva una noia assoluta durante la cui durata totale sono entrata in catalessi.

E’ il primo film di Wong Kar Wai che vedo e già l’ho bocciato.

4/10

Tutti i film...

...che mancavano di essere recensiti (alcuni li ho visti addirittura un mese fa!). E fatto un bilancio per questo inizio 2008 devo dire che è abbastanza deludente - cinematograficamente parlando.

Soffio (Soom)

Kim Ki-duk

Corea del sud, 2007

Come in “Ferro 3: la casa vuota” la trama è essenziale, poche le battute così come i personaggi: Lui, Lei, L’altro.

Lei: sempre infelice, sola, in una casa vuota e asettica, tradita dal marito che non la calcola minimamente nella sua vita.

Lui: il classico Barba Blu delle fiabe che subdolamente rende insignificante la compagna, tradendola sotto i suoi occhi e provandoci pure gusto a farlo.

L’altro: solo quanto Lei, non parla mai. Vuoi perché è muto (“Ferro 3”), vuoi perché le “circostanze” lo costringono ad essere privato momentaneamente della voce (come in questo caso).

E forse, proprio perché non parla, perché vive malinconicamente la sua vita, Lei ne viene attratta e finisce per innamorarsene.

Quasi.

Perché in “Soffio” Lei ama L’altro solo per due secondi fini: vuol far capire a Lui i suoi sbagli, l’insensatezza del suo tradimento facendogli provare quello che ha passato lei, e ama L’altro per far capire a quest’ultimo le atrocità commesse - si trova infatti nel braccio della morte per aver commesso un omicidio - per arrivare poi a privarlo della sua presenza, del suo affetto (suo di Lei) uccidendolo psicologicamente, strappandogli quel “soffio” vitale che, una volta che se ne sarà andata dalla sua vita, lui non avrà più e si sentirà come morto.

Questa è solo la mia interpretazione per un film che si presta a qualsiasi tipo di significato, volendo lo si può vedere attraverso un’ottica più “felice” e pensare che Lei in quel carcere dove incontra L’altro vuole solo ridargli un attimo di vita, lo stesso “soffio” vitale, prima dell’esecuzione.

Tuttavia la tristezza, la disperazione, l’alienazione che i tre personaggi si portano dietro - insieme a un quarto che è uno dei compagni di cella del detenuto - mi fa poco pensare a un film dedicato alla vita, e il disperato rapporto sessuale che lei e l’amante consumano in carcere fonde tristemente i due lati dell’esistenza sfociando brutalmente nella voglia di morire.

7/10

Angel - La vita, il romanzo (Angel)

François Ozon

Gran Bretagna, 2007

Tratto dall’orrido libro di Elizabeth Taylor, il film è pompatissimo e sdolcinatissimo forse più dell’opera originale.

Ottima recitazione, costumi favolosi, ma rimane comunque un melodramma alla Harmony dove il punto di vista di Angel, la protagonista, falsa la realtà (così come succedeva nel libro) fino a far sembrare tutto una messa in scena, una fantasticheria di adolescente romantica con tanto di sequenze esterne girate fintamente in interni dove a suggellare l’amore compaiono anche arcobaleni infantili sotto i quali lui e lei si baciano appassionatamente.

Realtà e fantasia sono alla base della vita di Angel, ma quando è troppo è troppo!

6/10

30 giorni di buio (30 days of night)

David Slade

Usa, 2007

Tenendo conto della mia poca propensione per i film horror - c’ho 26 anni ma mi sogno ancora It e i suoi palloncini - quando vedo l’ennesimo lungometraggio di genere non posso che ammettere di stare ogni tanto rigida sulla poltrona e sobbalzare ad ogni colpo di scena.

Premessa doverosa per un film che mi ha sì spaventata ma che, visto con occhio critico, ha enormi mancanze a livello di sceneggiatura e recitazione.

Tratto dall’omonimo fumetto di Steve Neil e Ben Templesmith (che io non ho letto) il film procede per sequenze splatter e d’azione in una perfetta atmosfera dark.

Peccato che il tutto dopo i primi 40 minuti diventi abbastanza ripetitivo e che il regista non si preoccupi nemmeno di spiegare agli spettatori alcuni punti della trama che vengono praticamente lasciati in sospeso anche alla fine.

Si sente che la sceneggiatura è stata rimaneggiata. Malissimo.

Per capire come un fumetto possa essere egregiamente trasposto al cinema guardatevi “300” di Zack Snyder.

Scusate la brevità del commento ma quando i film fanno schifo...

5/10

Sogni e delitti (Cassandra’s dream)

Woody Allen

Usa, 2007

“Essere soccorsa è uno dei miei sogni peccaminosi”-

“Non è molto peccaminoso essere soccorsa”-

“... è quello che mi facevi dopo”.

Da questo scambio di battute così erotico poteva nascere un thriller libidinosissimo, purtroppo l’ultimo di Woody Allen mette in scena le sfighe ingenue di due fratelli che vogliono fare gli spacconi ma che in realtà sono solo da compatire.

Un po’ scialbo, è diretto comunque in maniera eccellente e almeno lascia lo spettatore a bocca aperta per un finale inaspettato.

6½/10

Stardust (Stardust)

Matthew Vaughn

Gran Bretagna, 2007

“Stardust” di Gaiman era una Favola, qui per essere “politically correct” non hanno potuto:

1. far morire i cattivi come nelle fiabe classiche (a ognuno il suo si dice, no?) ma li hanno fatti redimere TUTTI e vivere felici e contenti con i buoni;
2. mostrare il personaggio della Stella come una fanciulla indifesa e furba al tempo stesso, quindi l’hanno trasformata solamente in una stronzetta col grugno incazzato (sapete, l’emancipazione femminile...);
3. far nascere Tristran da una relazione precedente al matrimonio ufficiale del padre;
4. spendere un budget maggiore per inserire con la computer grafica anche il bellissimo personaggio peloso con la voce pelosa (mi sfugge purtroppo il nome) che aiuta Tristran nella foresta incantata, perché hanno speso tutto per coprire le rughe da culo di gallina della Pfifer;
5. non inserire almeno un riferimento alla comunità gay-lesbica dopo che ci hanno bombardato con tutti i Gay Pride, quindi hanno trasformato il capitano della nave volante che salva la Stella e Tristran in un omosessuale latente che fa dei ridicoli balletti con guepiere e ammicca come Malgioglio.

Potrei continuare all’infinito con gli insulti a questo bruttissimo film che ha massacrato il romanzo di Neil Gaiman (che tra l’altro figurava tra gli sceneggiatori... cosa non si fa per i soldi!).

Per cercare di rimanere educata mi fermo qua.

2/10

Quattro minuti (Vier minuten)

Chris Kraus

Germania, 2006

Quattro minuti per realizzare i sogni delle due protagoniste, un’ora e mezza per spiegare a noi spettatori il loro passato, le loro ambizioni e le tragedie che le hanno segnate profondamente fino a farle diventare quello che sono al momento della narrazione.

Una ha poco più di vent’anni, è violenta, autolesionista, cinica, disincantata; rinchiusa in carcere per un omicidio che non ha commesso incontra per caso l’altra, entrata in carcere solo per insegnare musica alla detenute, che è ormai anziana e nasconde un passato non meno doloroso della prima.

Entrambe si sentono realizzate solo suonando il pianoforte sul quale sfogano le loro frustrazioni; col tempo impareranno a conoscersi e a liberarsi, tramite l’amicizia reciproca, dei loro spettri e dei loro segreti.

Trama semplicissima che riesce a includere però una varietà di temi: dall’omosessualità all’Olocausto, dalla vita nelle carceri alle difficoltà a trovare un proprio posto nel mondo fino alla musica come strumento di rinascita.

Davvero un bel film con un finale mozzafiato.

8/10

Sweeney Todd: Il diabolico barbiere di Fleet Street (Sweeney Todd: the demon barber of Fleet Street)

Tim Burton

Usa, 2007

Un musical così putrescente e cimiteriale come non poteva ispirare la vena dark di Tim Burton?

Tratto infatti da un’opera di Broodway - e prima ancora da una storia vera avvenuta nell’Inghilterra di inizio Ottocento - “Sweeney Todd” presenta tutti i temi che già il regista aveva usato per i precedenti suoi film: dall’atmosfera oscura della Londra Vittoriana con le sue vie malfamate e angoscianti, alle tematiche come la morte, il tradimento, fino alla presenza di un protagonista che per sentirsi “completo” ha bisogno di un’appendice non propriamente umana (Edward di “Edward mani di forbice” le forbici, Sweeney Todd i rasoi).

Per metà film e per metà musical, che per fortuna in quel caso non è stato doppiato ma solamente sottotitolato, a mio parere l’alternanza dei due generi non toglie nulla alla riuscita del soggetto (una storia macabra di vendetta) che non subisce rallentamenti nei passaggi dal cantato al parlato.

E saranno proprio i temi musicali ricorrenti per ciascun personaggio a delineare meglio la loro psicologia e a spiegare allo spettatore la maggior parte della storia che si tingerà anche di splatter nelle bellissime scenografie così umidicce e muffose, grigie come un dente cariato e squallide come un cimitero abbandonato.

Anche se Helena Bonham Carter non è al massimo delle sue capacità recitative, Johnny Depp si conferma un Attore con la bilancia della bravura che pende completamente dalla sua parte piuttosto che di quella del doppiatore italiano.

Per chi fosse interessato alla storia originale, la Newton & Compton ha da poco tradotto il romanzo scritto a metà dell’Ottocento che riporta le gesta tutt’altro che nobili del vero Sweeney Todd, che uccideva solo per soldi e non per vendetta: “Sweeney Todd” di autore anonimo.

9/10